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TEMA La Música y la danza en el Renacimiento. La Música vocal religiosa: misa y motete. Las formas vocales profanas: el madrigal, el villancico y el romance. Danzas renacentistas:

INTRODUCCIÓN:

El término Renacimiento lo usaron primero en las artes plásticas, aplicándolo después en las artes musicales. Abarca el siglo XV y XVI. Podemos diferencias dos períodos:

·         Siglo XV: Período de tránsitos entre la Edad Media y el Renacimiento pleno. Desarrollo del comercio, que propicia la aparición de la burguesía. Enfrentamiento entre nobleza y monarquía, con un desenlace favorable para los monarcas, que apoyados por la burguesía, asientan una sistema de monarquía absolutista. La ciudad será el centro de la vida social. La caída de Constantinopla a mano de los turcos, genera la huida de sabios e intelectuales hacia Italia. En 1455 se inventa la imprenta y con ella se potencia la difusión de la cultura.

 

·         Siglo XVI: Renacimiento pleno: Italia será el centro principal de  cultura, pues cobran importancia las culturas greco-latinas, cogiendo como modelo la mitología y el arte de la antigua Italia. Italia se encontraba dividida en varias ciudades estado, entre las cuales, Florencia y Venecia mantenían una rivalidad artística por conseguir los mejores artistas.  Los descubrimientos geográficos darán lugar a imperios coloniales, donde España tendrá la supremacía. La descomposición moral de la iglesia dará lugar al protestantismo, por el cual más adelante se redactará el Concilio de Trento.

 

Significado del término: Renacimiento significa el “renacer” de la cultura Greco-latina. Se reniega del medievo. Retoma la cultura clásica. Esta vuelta a las culturas clásicas será muy clara en las artes plásticas, ya que se conservan claros ejemplos de obras originariamente romanas y griegas. La música no cuenta con estas referencias, por lo que desde el punto de vista musical será una continuación de la música medieval.

La función del músico: El compositor o músico vivirá en este período del sistema de mecenazgo. En el período anterior quien financiaba el arte era fundamentalmente la iglesia. En el Renacimiento se amplía el mecenazgo a la nobleza y la monarquía. El artista lucha por mejorar su situación social y política.

CARACTERÍSTICA MUSICALES:

SIGLO XIV

SIGLO XV

Polifonía mixta

Polifonía plena

Polifonía a 3 voces

Polifonía a 4 voces

Línea melódica irregular

Línea melódica cantable

REPRESENTACIÓN GRÁFICA DE LAS VOCES

 

 

 

 

 

 


REPRESENTACIÓN GRÁFICA DE LAS VOCES

 

 

·         La textura:

 Conforme avance el Renacimiento, los compositores van a intentar preocuparse más por las superposiciones de las voces. Se avanza poco a poco hacia el concepto de acorde, el cual se denominará así a partir del Barroco. El bajo empezará a concebirse como el fundamento de la armonía. Las 3ª y 6ª comenzarán a ser consideradas consonancias. Se abandonan los 8 modos gregorianos y se asientan las tonalidades “Mayor y menor”.

·         El ritmo:

Siguiendo con las pautas del Ars nova (Philippe de Vitry), el ritmo en el Renacimiento será marcado y definido. Habrá dos tipos de ritmo:

-          Fluido: Será más parecido  a la polifonía medieval, con una textura contrapuntística.

-          Marcado: Será más usado en piezas de danza. Empleará un tipo de textura más homorrítmica.

 

·         Melodía: En el siglo XV se usará una melodía diatónica. A lo largo del siglo XVI se comenzarán a introducir los semitonos cromáticos, sobre todo en el “Madrigal”.

LA MÚSICA VOCAL RELIGIOSA:

a)      La misa: Lo habitual en este período (en contraposición con períodos anteriores) será componer las misas completas a modo de ciclo, dando unidad a todos sus movimientos. Se establece un estilo unificando la síncopa desde el ordinario con diferentes procedimientos. Se le llama forma cíclica y según su estructura puede ser:

 

                                                               i.      - Misa de tenor con el C.F en la voz de tenor.

                                                             ii.      - Misa discantes con el C.F en la voz superior.

                                                            iii.      - Misa  de Chanson  con el C.F que  en una canción profana.

                                                           iv.      - Misa de parodia en la que se reelabora un modelo polifónico de motete o chanson (se amplia la composición con los métodos usuales)

 

b)      Motete: En el Renacimiento el motete será religioso, con carácter serio y solemne. En latín. Se dejará de usar la pluritextualidad y isorritmia. En siglo XV desaparecen las diferentes letras y se define como una pieza no muy extensa de contrapunto coral sin acompañamiento y con texto en latín. No son una forma litúrgica  Pero se interpretan en los servicios religiosos (en el propio de la misa  y en el oficio de las horas). Tipos de motetes:

 

                                                               i.      El motete sobre temas de Cantus Firmus (melodías antiguas del Canto Gregoriano): (Tiene suma importancia en la polifonía vocal. Consiste en utilizar cada frase de CF.  Como tema de desarrollo con imitaciones o bien directamente como fugado. De esta manera se consigue una sucesión de episodios con sus respectivos temas propios, conservando la mitad tonal por medio de la melodía coral y los vínculos de estilo, y se reafirma al final con un período conclusivo).

                                                             ii.      Motete sobre temas de libre invención: (El que es liberado de la melodía del CF. Desarrolla sus episodios sobre temas originales creados por el compositor aunque por lo general ha conservado su forma. Una sucesión de episodios iguales de incisos en que el autor divide el texto, cada uno con su tema respetivo y un final).

 

En el caso de España, encontramos figuras relevantes de la composición religiosa como son:

-          CRISTOBAL DE MORALES.

-          TOMÁS LUÍS DE VICTORIA.

-          FRANCISCO GUERRERO.

GÉNEROS PROFANOS:

MADRIGAL: ITALIA:

Esta composición del siglo XVI. Género música profano propio de Italia. Pese a ser una forma profana, su estilo es complejo musicalmente. Se trata de una obra desarrollada sobre un breve poema, construida con una serie de secciones; unas contrapuntísticas y otras homófonas, basadas cada una de ellas en una sola frase del texto. Esta particularidad se asemeja al motete.

Estaban escritas en su mayoría  a 4 voces, aunque podemos encontrar madrigales de 4, 6 e incluso 8 y 10. Se podía doblar alguna vez por instrumentos. Los textos en su mayoría eran sentimentales, y habitualmente concluían con un epigrama (moraleja).

La música poseía algunos rasgos descriptivos, como cantos de pájaros, tañidos, efectos onomatopéyicos con la voz. E­­­tc…               

MADRIGAL TARDIO (1580-1620)

La interpretación del texto toma  mayor fuerza, y aparecen los llamados “madrigalismos” mediante giros rítmicos, cromatismos y armónicos que no eran usuales.

 

VILLANCICO: ESPAÑA:

Similar a la frótola italiana, algunos esquemas según sus compositores variarán:

-          Juan del Enzina (s. XV)

-          Francisco Guerrero: (s XVI)

-          Juan. B. Canos: (s. XVI- XVII)

 

El villancico renacentista fue un género profano genuinamente español. Nada tiene que ver con el actual concepto de “villancico navideño”. Su temática era variada y siempre de carácter profano. En castellano, con acompañamiento instrumental y con la participación tanto de voces masculinas como femeninas.

La estructura de este tipo de cantos correspondía con la clásica forma de “estrofa y estribillo”.

ROMANCE:

Los romance son poemas narrativos en muchas estrofas, estas son cuartetas y por tanto la música consta de 4 partes cantables repetidas cuantas veces sea necesario. Sus versos son octosilábicos con rima libre en los impares. Su contenido suele ser épico: narran una historia real o inventada (aunque hay también romances sátiros o amorosos).

La mayoría de estos romances se conservan en el cancionero de palacio. Algunos de ellos hablan sobre la reconquista de Granada.

HEMISTIQUIO (octosilábico)

HEMISTIQUIO (octosilábico)

Paseábase el rey moro

Por la ciudad de Granada

desde la puerta de Elvira,

hasta la de Vibarrambla

 

Cada 4 hemistiquios octosilábicos se repite la misma música. No hay estribillos. Es una repetición cíclica de la misma música cambiando solamente las estrofas de 4 versos o hemistiquios. Tiene acompañamiento instrumental.­­

 

2º) Canción con estribillo:

Contiene coplas o estrofas con igual música y distintas letras, y el estribillo (cuplé) es mas corto, normalmente que las coplas y tiene siempre la misma letra. El estribillo suele ser de forma caprichosa (no tiene fórmula fija).

 La copla puede ser binaria (con 2 períodos repetidos) o ternaria (con 3 períodos, unos de los cuales puede repetirse), de aquí derivará la forma rondó.

 

RENACIMIENTO EN ALEMANIA:

 

  LIED:

Canción polifónica con ejemplos monofónicos a 3 voces con la melodía principal en la parte del tenor, unas veces y otras en la voz superior.

 VARIACIÓN:

 

En el siglo XVI los polifonistas vocales e instrumentales le daban el nombre de motete. En España se llamaban “diferencias. En el siglo XVII y XVIII, los compositores no escribían las partes a variar, que eran improvisadas por los intérpretes, lo que generaba tal abuso, que decidieron escribirlas fijando claramente las modificaciones que deseaban. A mediados del XIX tuvo un claro ocaso.

Esquema:

 

Tema- 1ª variación, 2ª variación. 3ª variación ……….. etc   coda o fugatto.

 

La estructura musical es: Exposición del tema, generalmente una obra breve y clara que permita añadir figuraciones, etc. O una frase completa. Le sigue un determinado número de variaciones, que pueden ser de una o más clases. Al final puede haber una CODA o una última variación en estilo “fugato” relacionada con el tema.

 

a)      Por ornamentación o rítmico melódica: Toda su personalidad pese a las modificaciones melódicas y o rítmicas sigue siendo reconocida.

 

b)      Por elaboración o armónico contrapuntística: Aquí la melodía sigue inalterada y reconocibles, pero  hay cambios en el ritmo, armonía, contrapunto y otros en las demás voces.

 

c)       Por amplificación o Gran variación: Es la más artística y donde el compositor tiene mayor libertad. El tema no aparece completo, y hay cambios que transforman el contenido musical del mismo. El creador elige un fragmento y lo trata como generador de otras variaciones, desarrollándolo y creando melodías. Esto dificulta su reconocimiento.

 

-          Las variaciones suelen numerarse.

-          Tradicionalmente el tono era el mismo cambiando solo el modo. Posteriormente se ha modulado a tonos afines.

-          Como importante debe señalarse  los cambios de dinámica, tiempo, figuración y otros.

-          Posteriormente se escribieron versiones polifónicas a 4 voces. Existen las siguientes formas.

 

  1. Con estilo severo.  Coral propiamente dicho.

 

  1. figurado. La melodía cantada por la asamblea se cantaba como cantus firmus, al que se le añaden otras mas ordenadas de forma contrapuntística, a ritmo más rápido. Poco después el cantus firmus pasa a la voz del soprano.

 

  1. canónico.   La melodía principal  y las otras partes adoptan esta forma.

 

  1. pegado. El motivo del tema es un fragmento de melodía de otro coral.